Yûichi Yokoyama

Né en 1967 dans la préfecture de Miyazaki, Yûichi Yokoyama vit et travaille à Yokohama, au sud de Tokyo. Diplômé de Musashino Art University (option principale peinture à l’huile), il s’est d’abord consacré exclusivement à la peinture avant d’étendre ses recherches graphiques et picturales à l’illustration puis de se consacrer prioritairement à la bande dessinée — ou plus exactement à ce qu’il nomme « néo-manga » grâce auquel, dit-il, conformément au titre de sa première exposition rétrospective au Kawasaki City Museum : « Je dessine le temps. »

D’abord découvert en France par l’entremise des Éditions Matière (Travaux publics, 2004), Yûichi Yokoyama a composé de nombreux ouvrages de bande dessinée (Combats, Voyage, Jardin, Nouveaux Corps, Explorations, Baby boom, Room, La Salle de la mappemonde, La Terre de glace, Astronautes, Plaza, Burning Sounds, Neo-Man’yôshû), dont la presque totalité a été traduite et publiée en français par les Éditions Matière. Hors Japon, certains d’entre eux ont également été publiés aux États-Unis d’Amérique, en Espagne, au Portugal, en Italie, en Russie, en Chine et au Royaume-Uni. L’ouvrage Yokoyama Yûichi painting (Bluemark, Japon) rassemble l’essentiel de ses peintures, tandis que Fashion and the locked room (888 books, Japon) documente sa spectaculaire contribution au corner Hermès du grand magasin Isetan dans le quartier de Shinjuku à Tokyo. La revue ISI Press lui a consacré l’intégralité de son troisième numéro (2020).

Yûichi Yokoyama a participé à de nombreuses expositions personnelles et collectives au Japon et à l’étranger, parmi lesquelles « Toute la documentation sur le néo-manga : je dessine le temps » (Kawasaki City Museum, 2010), « This is neo wall. Gathering celebrities and beasts » (Kyoto International Manga Museum, 2015), « The world is strange! The manga and paintings of Tiger Tateishi and Yûichi Yokoyama » (Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Japon, 2016), « Doboku. Civil engineering in Shanghai » (Modern Art Museum Shanghai, 2018), « Enfance. Encore un jour banane pour le poisson-rêve » (Palais de Tokyo, Paris, 2018), « Earth Day » (Anomaly, Tokyo, 2024).

Représenté par les galeries tokyoïtes Anomaly et Nanzuka, Yûichi Yokoyama a trouvé à Paris un lieu d’accueil et d’exposition à la galerie anne barrault.

REVUE DE PRESSE

Zoom Japon (n°43), Jean Derome (entretien avec Yûichi Yokoyama), 1/9/2014

« Ce que j’essaie de créer, de mon côté, serait ce que j’appellerais de la fiction spéculative. » [+]

INCROYABLE YOKOYAMA YÛICHI L’œuvre de Yokoyama Yûichi défie les conventions du manga. Il y a quelque chose d’étrange dans les histoires que ce graphiste et illustrateur crée. Elles ne cessent de surprendre le lecteur naïf qui pénètre involontairement dans son univers. Yokoyama cultive son image de Sphinx qui met en échec les tentatives d’approche intellectuelle de son travail. Fier de ne posséder ni ordinateur ni téléviseur, il préfère pêcher que lire les mangas d’autres auteurs ou enregistrer les conversations qu’il a avec ses amis que d’écouter de la musique. Plus que son caractère original, c’est sa conception nouvelle du manga que les amateurs du monde entier apprécient. Des titres comme Voyage ou Nouveaux Corps constituent des expériences visuelles qui procurent des instants de bonheur, en entraînant les lecteurs en dehors des sentiers battus tout en les noyant dans une mer envoûtante de formes géométriques, de machines gigantesques et de paysages urbains tentaculaires. __ Comment êtes‑vous devenu mangaka ? Yokoyama Yûichi_ J’ai fait des études de peinture à l’huile à l’université des arts Musashino. Après avoir obtenu mon diplôme, je me suis surtout concentré sur la peinture avant de basculer progressivement vers le manga. Je n’étais guère satisfait de ne travailler que sur une seule toile. L’avantage du manga, c’est qu’il me permettait de développer des histoires. J’apprécie particulièrement le fait que le manga me permet de visualiser l’écoulement du temps. Au début, j’avais un peu de mal à maîtriser l’utilisation des couleurs, ce qui m’a incité à travailler en noir et blanc. Aujourd’hui encore, même si je me sens plus à l’aise avec les couleurs, je pense que j’ai toujours tendance à les utiliser comme le ferait un peintre. Pourtant mon approche générale en ce qui concerne la création d’images est bien celle d’un mangaka. __ Il y a quatre ans, vous avez dit que le manga était devenu votre principale activité artistique et que la peinture n’était plus pour vous qu’un hobby. Est‑ce que votre opinion a évolué depuis ? YY_ Non, pas vraiment. J’aime le fait que le manga ait une dimension multiple dans le sens où il est imprimé en des milliers d’exemplaires et il est lu et apprécié par des lecteurs à travers le monde. C’est important pour moi, car j’ai envie que mes œuvres soient vues par le plus grand nombre de personnes possibles. Par ailleurs, je n’ai pas beaucoup d’intérêt pour la protection de l’art. Prendre soin d’une peinture et la conserver pour l’avenir n’est pas fait pour moi. Je préfère la nature éphémère du manga. __ Apparemment, le peu de succès que vous avez rencontré en peinture a aussi été déterminant dans votre décision de la mettre de côté. Est‑ce vrai ? YY_ Lorsque j’avais une vingtaine d’années, j’ai dû participer à quelque 24 compétitions artistiques, et pas une seule fois je n’ai remporté de prix. Si vous ajoutez le fait que le matériel de peinture est très onéreux et que vos toiles invendues prennent pas mal de place, vous comprenez mon choix. Cela dit, de façon ironique, mon succès en tant que mangaka a relancé l’intérêt pour mes autres « œuvres plastiques ». J’ai donc été très heureux de pouvoir réaliser ma première exposition de peinture, il y a quelques années, au musée de Kawasaki. C’est quelque chose que je dois au manga. __ Vous êtes né dans la préfecture de Miyazaki, sur l’île de Kyûshû, mais vous avez vécu un peu partout dans l’archipel. Est‑ce que cette mobilité géographique a eu une influence sur votre vision artistique ? YY_ Je pense que oui. Mon père était un militaire. Nous avons donc souvent déménagé. Cela a contribué à développer mon intérêt pour les paysages et mon constant sens de l’émerveillement que ces paysages m’inspirent. __ Est‑ce que le métier de votre père vous a inspiré à d’autres niveaux ? YY_ Comme la plupart des soldats, il attachait beaucoup d’importance à la forme et aux manières. Il pouvait se mettre en colère contre moi si ma chemise dépassait, par exemple, de mon pantalon. Cela dit, je ne sais pas jusqu’à quel point cela a pu avoir une influence sur moi, mais c’est vrai que j’aime l’ordre dans la nature. Cela me rassure. __ L’une des caractéristiques les plus frappantes de vos mangas est l’aspect flamboyant de vos personnages. Leurs visages et leurs vêtements ont un côté très étrange. Pourquoi donc ? YY_ Tout d’abord, j’ai toujours été intéressé par les civilisations inconnues et étranges. Par ailleurs, j’aime créer des histoires et des personnages qui détonent tant que le temps et l’espace sont concernés. Mes récits peuvent aussi bien se dérouler dans le futur que dans une lointaine galaxie. J’aime bien cette notion de vague. Enfin, je suis très intéressé par la mode. Aussi, ma façon de raconter des histoires me permet de faire quelques expériences dans le domaine vestimentaire. __ Tous vos personnages sont des hommes. C’est bien cela ? YY_ Tout à fait. La raison est toute simple. Je n’arrive pas à bien dessiner les femmes. Il est vrai aussi que selon le bouddhisme, les femmes sont des êtres impurs qui sont connus pour dérégler l’écoulement tranquille du temps. C’est la raison pour laquelle elles sont notamment exclues de l’univers du sumo. __ D’où vous viennent les idées pour construire vos histoires ? YY_ Mon inspiration est multiple. Cela peut venir de quelque chose que j’ai lu ou bien vu sur un écran. Mais cela peut également être quelque chose de très banal. En fait, je crois que tout peut vraiment m’inspirer. __ J’ai entendu dire que vous n’étiez guère intéressé par le travail des autres mangaka. YY_ C’est exact. On me demande souvent quelles sont mes préférences ou mes influences artistiques, mais je n’en ai aucune. Le seul mangaka que j’apprécie s’appelle Kotobuki Shiriagaki [publié en France chez Milan]. J’aime vraiment son style. __ Il est vrai qu’en se fondant seulement sur vos œuvres, on a l’impression que vous semblez plus intéressé par le cinéma que par les mangas. Avez‑vous des films ou des réalisateurs préférés ? YY_ J’adore Solaris et Stalker d’Andrei Tarkovski et 2001. L’odyssée de l’espace de Stanley Kubrick. Néanmoins, mes histoires ne relèvent pas pour autant de la science-fiction. Elles possèdent des éléments futuristes, c’est évident, mais mon objectif est de créer des histoires hors du temps dont le sens dépasse une période en particulier. Ce que je n’aime pas dans la science-fiction, ce sont les histoires qui présentent justement le futur comme un développement du temps présent. Ce que j’essaie de créer, de mon côté, serait ce que j’appellerais de la fiction spéculative. En d’autres termes, je me demande à quoi nous pourrions ressembler si notre civilisation avait emprunté une autre voie. Quelles valeurs partagerions-nous alors ? Quelle esthétique développerions-nous ? Peut-être que plus personne ne porterait de chaussures ou que tout le monde dissimulerait son visage derrière un masque. Peut-être que nous ne communiquerions plus en utilisant des mots. Vous pouvez donc dire que mes récits sont des sortes de prédictions. Voilà pourquoi beaucoup de mes lecteurs trouvent les univers que je crée si peu familiers. Je leur donne peu de points de référence sur lesquels ils peuvent s’appuyer. __ Il y a une dimension très poétique dans vos mangas qui provient entièrement de vos dessins. Dans Jardin (2009), vous avez introduit davantage de dialogues, mais ceux‑ci demeurent très bruts. Cela signifie‑t‑il que vous-même vous n’aimez pas vous exprimer par la parole ? YY_ Je ne veux pas dépendre de la qualité des mots ou des dialogues, car il est presque impossible d’avoir une traduction parfaite dans les langues étrangères. Les mots et les dialogues ne sont pas universels. Et puis, j’aime laisser aux lecteurs la liberté d’interpréter mes œuvres. Les gens m’interrogent sur les symboles et le sens caché qu’elles pourraient contenir, mais, en vérité, il n’existe aucune explication intellectuelle sur ce qui se passe dans mes histoires ou sur les agissements de mes personnages. Les lecteurs peuvent imaginer ce qu’ils veulent dans mes mangas et vous serez d’accord avec moi pour dire que l’absence de mots et d’explications rend un récit beaucoup plus ambigu. __ Pourquoi, selon vous, vos histoires plaisent tant aux lecteurs étrangers ? YY_ Pour être tout à fait franc, je trouve que les étrangers ont une bien meilleure compréhension de ce que je suis en train d’accomplir que les Japonais. Les commentaires du genre « Vos dessins sont tellement détaillés » ou « Vos histoires m’ont beaucoup amusé » que je reçois de la part de ces derniers ne correspondent pas aux réactions que j’attends des lecteurs. __ Puisque nous évoquons vos dessins, combien de temps mettez-vous pour réaliser un manga ? YY_ Voyage et Jardin m’ont pris chacun une année. La Salle de la mappemonde a été un travail de plus longue haleine. Il m’a fallu deux mois pour imaginer la trame et faire le premier jet. Mais j’ai mis dix-huit mois pour boucler le projet. J’ai vraiment passé trop de temps sur cette œuvre. __ Le temps et sa description occupent une place centrale dans vos mangas. Bon nombre de lecteurs qui vous découvrent pour la première fois sont déconcertés par la façon dont vos histoires se terminent sans raison, brutalement. YY_ Cela s’explique par le fait que les gens sont habitués à des histoires avec un début et une fin. Ils ont besoin d’avoir ce genre de choses. Mais il ne s’agit que de conventions. Cela n’a rien à voir avec la vie réelle et la façon dont le temps se déroule naturellement. C’est pourquoi mes histoires commencent au milieu. C’est un peu comme lorsque vous allumez la télévision et commencez à suivre un film qui a déjà commencé. Vous en regardez dix ou quinze minutes. Pourquoi les personnages agissent comme ça ? Que se passera-t-il une fois que vous aurez éteint la télé ? Vous n’en savez rien. Tout dépend de votre imagination. [-]

ArtistikRezo.com, Vanessa Humphries, 15/6/2018

Son œuvre est radicale, et ne ressemble à aucune d’autre. [+]

L’actualité importante de ces deux artistes : la participation à la Biennale internationale d’architecture de Venise pour Jochen Gerner, et la présence dans trois expositions en France et en Suisse pour Yûichi Yokoyama, était l’occasion unique de les rassembler à la galerie Anne Barrault. Ce sera la première fois que Yûichi Yokoyama présentera un ensemble de dessins et peintures dans une galerie en France. Il participera également à l’exposition intitulée « Encore un jour banane pour le poisson-rêve » au Palais de Tokyo du 22 juin au 9 septembre 2018, ainsi qu’à celle organisée par le Barbican Centre de Londres au Lieu Unique à Nantes « Mangasia» du 30 juin au 16 septembre 2018. Et le MAMCO à Genève présente une exposition personnelle de son travail depuis le 30 mai 2018. Yûichi Yokoyama vit seul dans une petite maison en banlieue de Tokyo. Il ne possède ni ordinateur, ni télévision. Diplômé du département de peinture de Musashino Art University, il se consacre d’abord à la peinture puis se tourne progressivement vers le dessin. Contraint par l’exiguïté de son espace d’habitation, où il ne peut plus accumuler ses tableaux, il choisit alors le papier et l’encre. Son œuvre est radicale, et ne ressemble à aucune d’autre. Jochen Gerner dit de lui : « Son travail reste pour moi une des plus belles découvertes de ces dernières années. Son œuvre est extrêmement singulière, et expérimentale. Ses récits sont à la fois contemplatifs et mouvementés, muets et sonores. Les paysages, les éléments et les personnages ne renvoient à rien de connu : tout paraît se confondre et se mêler dans une même écriture graphique, à la frontière du figuratif et de l’abstrait. Chaque récit semble s’ouvrir sur un autre territoire, qui serait l’espace mental de Yokoyama. Son trait, sa gamme de couleurs sont si singuliers qu’ils se reconnaissent sur un détail de quelques millimètres carrés (trait) ou à une distance de plusieurs mètres (couleurs). » L’exposition à la galerie Anne Barrault présentera Member of The World Map de Yûichi Yokoyama, un ensemble de dessins et collages inédits ainsi que des peintures réalisées en 2010. Et au mois de juin, les Éditions Matière publieront son nouveau livre La Terre de glace que l’artiste dédicacera lors du vernissage. […] [-]

ParisArt.com, s.n., 10/6/2018

Compositions abstraites et colorées où motifs géométriques et formes plus libres se mêlent, se chevauchent et se confondent dans de douces teintes pastel [+]

À L’EST L’exposition « À l’est » à la galerie Anne Barrault propose une rencontre entre les dessins, peintures et collages de l’artiste japonais Yuichi Yokoyama et les peintures sur cartes postales du Français Jochen Gerner. Le titre de l’exposition souligne avec humour un des rares points communs entre Yuichi Yokoyama et Jochen Gerner, qui ne se sont jamais rencontrés : tous deux vivent à l’est, l’un dans l’est de la France et l’autre à l’est de la planète. Pourtant, au-delà de cet écho géographique, les univers créatifs des deux artistes se rejoignent par leur profonde singularité. On découvre de Yuichi Yokoyama un ensemble de dessins et de collages inédits intitulé Member of The World Map et des peintures plus anciennes, et de Jochen Gerner, des peintures quasi monochromes. Les peintures de Yuichi Yokoyama, réalisées en 2010 à l’acrylique sur toile, telles que Color Engineering, déploient des compositions abstraites et colorées où motifs géométriques et formes plus libres se mêlent, se chevauchent et se confondent dans de douces teintes pastel. Alors que Yuichi Yokoyama a aujourd’hui abandonné la peinture pour le dessin, faute de place suffisante dans la petite maison qu’il occupe en banlieue de Tokyo, on découvre également la série Member of The World Map, réalisée en 2013, qui conjugue dessin à l’encre sur papier et collage. Les réalisations de Jochen Gerner répondent au noir et blanc des dessins de Yuichi Yokoyama par une série d’œuvres presque monochromes intitulée Stockholm. Une trentaine de cartes postales que l’artiste a trouvées lors d’un séjour dans cette ville sont recouvertes de peinture, par aplats ou par motifs, qui réinventent les paysages photographiés. Ici, la roue manquante d’un moulin sur une carte postale ancienne est remplacée par une spirale noire qui recouvre presque toute l’image, sur l’œuvre intitulée Utsikt Fran Kaknastornet, on devine une vue urbaine sous un brouillard de peinture blanche parsemé de formes schématiques de bâtiment de couleur grise. [-]

Libération, Olivier Lamm, 9/7/2018

« Je me sens particulièrement à l’aise dans les hôtels d’affaires japonais, où l’on emmène le strict minimum. » [+]

Les Inrockuptibles (web), Anne-Claire Norot (entretien avec Yûichi Yokoyama), 30/6/2018

« C’est comme dans le théâtre nô. » [+]

RENCONTRE AVEC YUICHI YOKOYAMA, L’INVENTEUR DU MANGA MÉTAPHYSIQUE. Yûichi Yokoyama est un mangaka hors du commun qui dessine une œuvre fortement marquée par la peinture moderne. Un univers géométrique et inquiétant dans lequel les caractères japonais devenus des éléments du décor créent un véritable fond sonore. Plasticien ayant délaissé la peinture pour le manga, Yûichi Yokoyama est l’unique représentant d’un genre qu’il a inventé, le néomanga. Expérimentaux et abstraits, ses albums mettent régulièrement en scène des hommes à tête et costumes de robots, circulant, pour des motivations qui restent indéfinies, dans des paysages mécanisés. Les progressions des personnages, les trajets, les avancements de construction tiennent lieu d’intrigue. Yokoyama utilise systématiquement la géométrie, les formes et les structures pour construire ces récits extrêmement formels et malgré tout palpitants. Rencontre avec ce mangaka hors du commun, alors que deux expositions parisiennes, au Palais de Tokyo et à la Galerie Anne Barrault, rendent hommage à son travail. __ Dans quel environnement avez‑vous grandi ? Yûichi Yokoyama__ Je suis né dans la préfecture de Miyazaki dans le Kyushu, au sud du Japon. Mais je n’y suis resté que deux mois car mon père était militaire et on a beaucoup déménagé. Les militaires japonais déménagent tous les deux ans, surtout quand ils sont jeunes. En tout j’ai dû déménager 14 fois, dans tout le Japon, Hokkaido, le Kanto, la préfecture de Shizuoka… __ Est‑ce que l’art et la culture étaient encouragés dans votre famille ? YY__ Du coté de ma mère, il y a au moins trois professeurs d’art et une autre personne de ma famille dessinait des mangas en quatre cases dans le journal du Kyushu. J’ai aussi un proche qui travaillait dans un musée, donc c’est plutôt beaucoup par rapport à la moyenne ! Mais je n’ai pas eu de mentor particulier. Moi personnellement, l’art et la culture m’intéressaient, mais mon père, ma mère et mon petit frère ne s’y intéressaient pas trop. Enfant, je dessinais mais je ne sais pas si on peut appeler ça des dessins. C’étaient plutôt des graffitis ! __ Quand avez‑vous décidé que vous feriez carrière dans le dessin ? YY__ En terminale. Je n’étais pas doué pour les études. Par contre, même avec de mauvais résultats scolaires, on pouvait intégrer les universités d’art. Et je me suis dit que si je devais intégrer une université d’art, autant le faire de façon professionnelle, en faire mon métier. J’ai fait une école préparatoire avant et c’est certainement à ce moment-là que j’ai le plus appris : le dessin, la façon d’utiliser la peinture à l’huile… À l’université je n’ai rien appris, en fait. [Rires]. __ Que représentaient vos premiers tableaux, qu’aimiez‑vous dessiner ? YY__ Je suis entré en section de peinture à l’huile et on faisait exclusivement de la peinture à l’huile. Dans les cours, le professeur déposait sur des tables des objets qu’on devait reproduire ou alors un modèle venait prendre la pose. On était obligé de peindre d’après modèle, il n’y avait pas vraiment de liberté, c’était assez rigide. Vers le milieu de mes études à l’université, j’ai commencé à peindre des choses qui me plaisaient, en dehors de ce qu’on devait rendre pour notre cursus. Chez moi, je peignais sans modèle. Je faisais du figuratif. Je pouvais peindre un personnage debout, tout simplement. Je lui mettais le visage que je voulais, l’habillais comme je voulais. Ça m’amusait bien. Mais je n’aurais pas pu montrer ça à mes professeurs, je me serais fait engueuler. Mais jamais je ne me suis dit que j’allais devenir professionnel avec ça. Au contraire, je pensais que ça ne marcherait jamais. __ Vous intéressiez‑vous à l’art occidental ? YY__ Oui. J’allais souvent au musée. Comme le cursus où j’étais était très académique, j’allais voir des expositions classiques. Mais à partir d’un certain moment, l’art contemporain m’a beaucoup intéressé. J’aimais le pop art, le minimalisme, le néo géo, le new painting. Ces expositions m’étonnaient toujours beaucoup, je me disais qu’il fallait que j’imite ces artistes. Une fois mon diplôme passé, il n’y avait plus personne pour m’engueuler si je dessinais sans modèle, donc j’ai pu les imiter ! __ Après vos études, vous avez tout de suite gagné votre vie via la peinture ? YY__ Non, je n’aurais jamais pu manger ! Pendant dix ans, j’ai fait un travail qui n’avait rien à voir. J’apprenais l’aquarelle à des personnes âgées — le problème c’est que je ne sais pas faire de l’aquarelle donc j’étais juste présent ! Et ce n’était pas très bien payé. __ Comment êtes‑vous passé au manga ? YY__ C’est assez compliqué. Au début je faisais ces imitations d’art contemporain. Je présentais mes œuvres à des concours mais ça ne marchait jamais. À l’époque, j’habitais dans une grande maison pas chère mais très vaste donc je pouvais me permettre de faire des grands formats. Mais j’ai dû la quitter car elle devait être détruite. J’ai déménagé dans une maison plus exiguë et du coup je ne pouvais plus peindre de grands formats. Je me suis dit que j’allais faire la même chose mais sur des petites feuilles de papier. Mais ça perdait en impact. À l’époque, j’ai aussi commencé à recevoir des commandes pour des illustrations et j’y répondais, donc je pouvais quand même gagner ma vie par le dessin. J’ai continué comme ça pendant quelques années. Mais je ne me voyais pas faire ça toute ma vie et comme j’avais déjà eu envie de faire du manga avant, je me suis dit que j’allais me lancer. Et c’est là qu’intervient Laurent Bruel des Éditions Matière. J’avais fait quelques expositions à Tokyo et il a dû en voir une et connaitre mon travail comme ça. Quand il m’a dit « On va faire un livre », j’étais extrêmement étonné parce que je n’avais pas eu d’activité de mangaka avant. Au Japon, jamais on ne publierait un inconnu. Et donc je lui suis très reconnaissant. __ Qu’est‑ce qui vous intéressait dans le fait de dessiner des mangas ? La possibilité de narration ? YY__ Le fait de dessiner, je ne trouve pas ça amusant du tout, encore aujourd’hui. [Il dessine un personnage.] Je n’étais jamais satisfait par ce que je dessinais, comme ce bonhomme-là. J’avais envie de dessiner ce qui allait lui arriver après. Est-ce qu’il va marcher quelque part, rencontrer quelqu’un, faire quelque chose ? Je voulais dessiner des scènes. Mais sans couleur, avec un dessin très simple, épuré. Je n’avais pas besoin d’histoire, je voulais juste que ça soit composé de mouvements et de scènes. Ça pouvait commencer n’importe où et se terminer n’importe où. Je voulais représenter des processus en cours. __ Qualifieriez‑vous vos univers de futuristes ? YY__ Effectivement, mes mangas ne se passent pas aujourd’hui. Mais je n’ai pas envie de décider que c’est à une époque particulière. Ça peut se passer n’importe quand. Ça peut ne pas être sur la Terre, ça peut être autrefois, ça peut être le futur. C’est ni en Occident, ni en Orient, ni en été ni en hiver. J’aimerais que ce soit un lieu, un temps et un espace qui pourraient s’appliquer partout et nulle part en même temps. C’est comme dans le théâtre nô. Les masques du théâtre nô, avec les yeux en colère et le visage légèrement souriant, sont adaptés à n’importe quelle situation, que le personnage rie ou soit en pleurs… J’essaie de tendre vers ça. __ Dans vos mangas il y a beaucoup de personnages. Vous dessinez beaucoup de visages, tous inexpressifs mais tous différents. C’est un challenge ? YY__ J’aime les visages. Chez moi j’ai un stock de visages. Il y a vingt ans je les avais comptés, il y en avait 4 000. Là, je dois en avoir des dizaines de milliers. Quand je fais un manga, je me dis tiens je vais utiliser celui-là, pour cette scène ça sera ce visage-là, etc. C’est un peu comme un casting. Certains n’apparaitront plus mais d’autres peuvent réapparaitre régulièrement. __ On a l’impression que ces personnages ne ressentent rien. Ils n’ont pas d’émotions ? YY__ Je ne veux pas que mes histoires parlent d’humains. Je ne veux pas mettre de sentiment. Par exemple, si un insecte ou un oiseau nous regarde, nous humains, cet insecte ou cet oiseau ne va pas se demander quels sont nos sentiments. Je veux qu’on ait le regard d’un insecte face à mes dessins. Autre chose, dans les œuvres au Japon, que ça soit dans la littérature ou le manga, il est tout le temps question de sentiments. Et je déteste ça ! __ C’est difficile d’interpréter les motivations de vos personnages. Ça vous plaît de dérouter le lecteur ? YY__ Il ne s’agit pas forcément de le dérouter. Si on était dans un film bien fait, il y aurait un début, des événements et une conclusion à la fin. Mais nous, dans notre vie, ça ne se passe pas comme ça. On est plutôt dans une ligne droite, plein de choses se passent mais ça reste banal. Moi j’ai envie de dessiner des moments. Ce que je recherche dans mes mangas, c’est quelque chose qui n’ait ni début ni fin, comme une séquence de film que l’on aurait entraperçue en allumant la télé avant de repartir faire autre chose. Il ne s’est rien passé mais les personnages s’expriment pourtant comme si quelque chose s’était produit. __ Ça stimule l’imagination… YY__ Oui ! Mes mangas ne sont pas du tout adaptés aux gens qui ont besoin d’un récit avec début et fin, ni aux gens fatigués ou qui veulent se relaxer. Il faut avoir de l’énergie et être un peu étrange pour lire mes mangas ! __ Dans vos deux derniers mangas, La Salle de la mappemonde et La Terre de glace, on a un peu l’impression d’être dans un thriller, c’est assez violent, il y a une menace sourde… YY__ Oui il n’y a aucun sourire, tout le monde est tendu, comme s’ils avaient une mission à accomplir. Mais jusqu’à la fin il n’y a pas d’explication sur cette mission. Je me suis inspiré d’une nouvelle d’Hemingway dans laquelle il ne se passe rien, où on est dans une temporalité un peu étrange, où on ne comprend pas comment le temps s’est déroulé. Deux jeunes hommes sont en voyage et arrivent dans une ville assez sale. Ils entrent dans un bar et comme ils sont étrangers, ils sont assez maltraités. Hemingway décrit les conversations dans le bar, le mépris qu’on leur témoigne. Les deux jeunes disent : « Pas question de rester ici, on s’en va. » Et voilà, l’histoire est finie. Ce genre de nouvelle m’inspire. Pour mon prochain manga j’aimerais carrément adapter plusieurs nouvelles d’Hemingway en manga. __ C’est un auteur que vous avez découvert il y a longtemps ? YY__ Oui, je suis fan depuis le lycée, surtout de ses nouvelles. Il y en a par exemple une où un jeune homme va à la pêche. Il pêche un poisson, il va le cuisiner, il le mange, c’est fini. Et il arrive à décrire ça sur une dizaine de pages sans qu’on se lasse, je trouve ça impressionnant. __ Dans vos mangas il y a très peu de texte, les personnages parlent peu, c’est même parfois muet. Vous pensez que les images peuvent parler d’elles‑mêmes ? YY__ Quand je le peux, je préfère me passer des paroles. Quand j’écris en japonais, il n’y a que les Japonais qui comprennent. S’il y avait une langue commune au monde entier, ça me gênerait moins de faire parler mes personnages. Mais ce n’est pas le cas. Quelle que soit la langue, quand le temps passe, la langue change aussi. Donc pour moi les mots ne sont pas fiables, j’ai peur de leur faire confiance. J’aimerais que mes livres restent actuels à n’importe quelle période. Les vrais chefs-d’œuvre sont intemporels, comme la musique de Bach par exemple. __ Vous utilisez par contre beaucoup d’onomatopées pour représenter vos univers qui sont très bruyants. Ça vous intéresse de travailler sur la représentation du son ? YY__ C’est naturel chez moi. Quand je dessine quelque chose de bruyant, je m’excite tout seul et je ne peux pas m’empêcher de continuer à dessiner ces onomatopées. Je ne peux pas tout d’un coup faire une case silencieuse. Je veux que tout ait le même impact, le même niveau de force. Ça devient de moins en moins lisible et j’espère que le lecteur est pris là-dedans. __ Vous jouez beaucoup avec la géométrie, vous bouleversez les lois de la physique comme dans Jardin où les rivières coulent dans les deux sens. Ça vous amuse ? YY__ Oui ça m’amuse beaucoup. J’aime beaucoup les scènes de travaux. Faire des barrages pour arrêter une rivière, ça m’intéresse ! __ Chez vous, la nature est souvent restructurée par la technologie. Dans le monde réel vous aimez aussi une nature bien disciplinée ? YY__ Oui, plutôt que la nature sauvage, je préfère une nature où il y a eu la patte de l’humain. Par exemple dans les jardins japonais, tout est très ordonné, la forme des rochers, la façon de faire pousser la mousse, ça prend même la forme de caractères sanskrit. Il ne faut pas marcher sur la mousse, il ne faut pas laisser pousser les arbres droit, il faut qu’ils soient entortillés, on ne sait plus si c’est naturel ou pas. Du coup, ça donne des espaces assez bizarres dont on ne voit pas le but et je trouve ça intéressant. J’aime les espaces bizarres. __ Vous aimez beaucoup expérimenter ? YY__ Oui j’expérimente toujours. Par exemple pour La Salle de la mappemonde et La Terre de glace, j’ai voulu aller vers un autre type de récit. Je voulais toujours montrer des parcelles de temps, mais je voulais aussi voir comment je pouvais faire paraître ça comme un manga ordinaire. C’est un peu une expérimentation. Le fait de faire une suite était aussi une expérience. J’aimerais à chaque fois expérimenter des choses que je n’ai jamais faites jusque-là. [Il montre des planches d’un nouveau récit encore non publié.] Par exemple ici, il y a des caractères romains. Tout d’un coup des lettres apparaissent dans la case. Ça n’a aucun sens. Ce sont des affirmations, des déclarations. C’est une expérimentation. J’ai envie que les gens se disent que c’est bizarre, que je suis fou. __ Comment sont perçus vos mangas au Japon ? YY__ Les gens qui fréquentent les musées, les étudiants en art connaissent. Je suis exposé mais pas connu auprès des lecteurs de mangas. Dans les rayons manga d’une librairie, on ne trouve pas mes livres. Si on cherche bien, peut-être dans un coin d’une étagère… __ Ces expositions en France et en Suisse cet été, c’est une reconnaissance pour vous ? YY__ Le public français a adhéré dès le départ. Je sens beaucoup de respect de sa part. Au Japon, mes mangas ne se vendent pas donc les éditeurs ne veulent pas continuer à me publier et c’est assez dur. Mais même si ça ne se vend pas, publier ce genre de choses m’amuse. Et puis si je vendais, je serais trop occupé pour avoir du temps libre. Je ne pourrais pas aller en pique-nique, je ne pourrais pas aller boire des coups, je ne pourrais plus rien faire. Mais financièrement, je n’ai pas de problème pour vivre. J’habite dans une très vieille maison, un atelier où même la clim est en panne. [Rires.] __ Avez‑vous gardé dans vos mangas quelque chose de votre apprentissage de la peinture à l’huile ? YY__ Oui j’utilise énormément ce que j’ai appris en peinture à l’huile. La façon de construire une image, de donner du relief… Comment placer les choses dans un cadre… __ Vous exposez des collages aussi, vous aimez beaucoup cette technique ? YY__ Il y a un secret derrière mes collages : quand je termine un manga, certaines pages sont ratées. Quand je rate, je coupe au cutter la partie ratée, je colle une feuille dans les interstices et je corrige. Ça ne se voit pas. Mes originaux sont remplis de ce genre de corrections. Et je me suis dit qu’avec tous les restes, j’allais m’amuser. Comme je corrige beaucoup les visages, avec ce que je récupère je peux assembler deux yeux, ajouter une bouche… C’est assez répugnant [rires]. Avec les collages, on aboutit à des choses sans émotion qui font peur, on obtient des choses qu’on n’aurait pas réussi à obtenir en dessinant, qu’on n’imaginait pas au départ. Dans mes mangas, il y a une intention dans ce que je dessine. Pas dans les collages. Et c’est beaucoup plus amusant, en fait ! [-]

Le Signe 2022

Accrochage de peintures, sérigraphies et esquisses de bandes dessinées (Jardin) de Yûichi Yokoyama au sein de l’exposition « Manga » au Signe, Centre national du graphisme.

« Le manga — bande dessinée d’origine japonaise — a longtemps été considéré comme un style mineur parmi les arts visuels. Son économie de moyens, pour répondre au rythme élevé des parutions, a imposé un certain style graphique, aisément reconnaissable. L’exposition “Manga” a pour volonté de redonner ses lettres de noblesse à l’une des formes de narration les plus populaires dans le monde, notamment en France, 2^e pays consommateur de mangas après le Japon, en montrant les potentialités contemporaines de cette forme. »
(Jean-Michel Geridan.)

Le Signe
Centre national du graphisme
1 place Émile Goguenheim
52000 Chaumont
du 21 juin au 23 octobre 2022

ci-dessous__ vues de l’exposition « Manga », Le Signe, 2022. © Marc Domage.

vue de l'exposition "Manga", le Signe, 2022 © Marc Domage

Offprint 2021

Accrochage de peintures, esquisses, sérigraphies et documents de travail de Yûichi Yokoyama à la Villa Belleville dans le cadre du parcours d’éditeur·trices indépendant·es Offprint Paris (11-14 novembre 2021).

Tracks

Filmé en juin 2018 dans les sous-sols du Palais de Tokyo (Paris), peu avant le vernissage de l’exposition collective « Encore un jour banane pour le poisson-rêve », Yûichi Yokoyama répond aux questions de Valérie Paillé pour l’émission Tracks, diffusée sur Arte en avril 2019.

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Sac dessiné pour les dix ans de la boutique tokyoïte Nadiff a/p/a/r/t, février 2019.

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Quelque part à Tokyo, en 2018.

vitraux au Palais de Tokyo

À partir de croquis de Yûichi Yokoyama et sous l’impulsion de Kodama Kanazawa, Jacques Loire (ici filmé dans son atelier près de Chartres) a conçu les vitraux exposés au Palais de Tokyo dans l’exposition « Encore un jour banane pour le poisson-rêve ».

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« Encore un jour banane pour le poisson-rêve »

Invité à participer à l’exposition « Encore un jour banane pour le poisson-rêve » (d’après le titre modifié d’une nouvelle de J. D. Salinger) sur le thème de l’enfance, Yûichi Yokoyama, en collaboration avec les Ateliers Loire, installe, à l’extrémité de canons à lumière, une série de vitraux au plafond du Palais de Tokyo.
Yokoyama crée en outre deux bandes dessinées exclusives sur le thème de la chimère pour le catalogue de l’exposition.
Exposition co-organisée avec la Fondation du Japon dans le cadre de « Japonismes 2018 ».

du 22 juin au 9 septembre 2018
Palais de Tokyo
13 avenue du Président-Wilson
75016 Paris

Yûichi Yokoyama au Monte-en-l’air

Étape n° 2 du programme « Yokoyama à Paris » : lancement de La Terre de glace EN PRÉSENCE DE YOKOYAMA.

Le Monte-en-l’air
71 rue de Ménilmontant
Paris 20e
(métro Ménilmontant, bus 96)
mardi 19 juin 2018 à partir de 18 heures

Yûichi Yokoyama à la galerie anne barrault

À côté de Jochen Gerner, Yûichi Yokoyama expose pour la première fois les collages qu’il réalise depuis 2015 à partir de fragments découpés dans ses planches de bande dessinée.

Étape n° 1 du programme « Yokoyama à Paris » : Yûichi Yokoyama sera présent au vernissage, samedi 16 juin à 16h00. Il dédicacera son dernier ouvrage, La Terre de glace.

du 16 juin au 28 juillet 2018
galerie anne barrault
51 rue des Archives
75003 Paris

Yûichi Yokoyama au Mamco

Le musée d’Art moderne et contemporain (Mamco) de Genève a souhaité confier l’exposition d’ouverture de son cabinet d’arts graphiques à Yûichi Yokoyama. L’accrochage présente planches de bandes dessinées, esquisses préparatoires et collages couleur.
(commissaires : Fabrice Stroun & Mathis Gasser.)

du 30 mai au 9 septembre 2018
Mamco
10 rue des Vieux-Grenadiers
1205 Genève

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Doboku. Civil Engineering in Shanghai

Participation de Yûichi Yokoyama à l’exposition qui emprunte son titre au titre original de Travaux publics.

Modern Art Museum Shanghai
4777 Binjiang Da Dao, Pudong
Shanghai, Chine
du 31 mars au 24 juin 2018

Capsule hotel

Planches extraites de Baby boom employées pour décorer le café du capsule hotel Shell Nell, à Osaka (2018).

Dominos

« L’exposition Dominos s’intéresse aux relations complexes qui existent entre la BD et l’art contemporain. On y trouvera aussi bien des artistes produisant des récits en images comme Jim Shaw, que des auteurs de BD s’inspirant du champ de l’art comme Yûichi Yokoyama. Cette exposition s’articule selon le principe de la séquence, une image en appelant toujours une autre… »
Œuvres de Öyvind Fahlström, Freistilmuseum, Peter Halley, Steven Parrino, Niklaus Rüegg, Jim Shaw et Yûichi Yokoyama.
Circuit
Centre d’art contemporain
9 avenue de Montchoisi, Lausanne
du 11 septembre au 17 octobre 2015

Fashion and Closed Room

À l’occasion de la parution de son dernier ouvrage Fashion and Closed Room, aux éditions 888 Books, plusieurs événements consacrés à Yûichi Yokoyama sont organisés conjointement, à Tokyo, par les galeries Arataniurano et NADiff :

__ exposition « Fashion and Closed room » à la galerie Arataniurano , du 30 mai au 4 juillet 2015   ;
__ exposition « Fashion and Closed room » à la boutique NADiff a/p/a/r/t, du 5 juin au 3 juillet 2015 ;
__ « L’atelier de Yokoyama » animé par le dessinateur, le samedi 13 juin 2015 (14-17 heures) et le dimanche 28 juillet 2015 (14-17 heures), à la boutique NADiff a/p/a/r/t (séances de dédicace à partir de 17 heures) ;
__ « Brocante Yokoyama » : pendant toute la durée de l’expo « Fashion and Closed room », et parallèlement à celle-ci, exposition-vente d’objets personnels de Yûichi Yokoyama, à la boutique NADiff a/p/a/r/t ;
__ « Bibliothèque Yokoyama » : une sélection de livres de littérature, de poésie et de photographie proposée par Yûichi Yokoyama à la boutique NADiff modern (grand magasin Bunkamura, Shibuya), du 5 juin au 3 juillet 2015.

This is Neo Wall

Sur l’un des murs de façade du Musée international du manga de Kyoto sont projetées des images spécialement réalisée pour l’occasion par Yûichi Yokoyama, tandis qu’une salle du musée accueille les planches originales d’un récit dans une scénographie originale dérivée du décor de celui-ci.

« This is Neo Wall. Gathering Celebrities and Beasts »
Kyoto International Manga Museum
du 6 mars au 31 mai 2015

Boutique Hermès, Shinjuku

Pour célébrer la réouverture, le 1^er novembre 2014, de sa boutique située dans le grand magasin Isetan de Shinjuku (Tokyo), Hermès a choisi de faire appel à Yokoyama. Celui‑ci a conçu l’illustration de fond de la vitrine principale, un récit en bande dessinée mettant en scène à sa façon les signes emblématiques et l’univers de la marque, ainsi qu’une série d’affiches, de cartons d’invitation et d’illustrations publicitaires.

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Logical Emotion. Contemporary art from Japan

L’exposition collective présente des planches de bande dessinée de de Yûichi Yokoyama parmi des travaux de Noe Aoki, Koji Enokura, Kazunari Hattori, Akihisa Hirata, Ryoji Ikeda, Teppei Kaneuji, Yayoi Kusama, Taiji Matsue, Masayasu Mitsuke, Tatsuo Miyajima, Hiroshi Sugito, Go Watanabe.

Museum Haus Konstruktiv
Selnaustrasse 25, Zurich
du 2 octobre 2014 au 11 January 2015

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Wandering through maps, un voyage à travers les cartes

Première exposition monographique de Yûichi Yokoyama en Europe !

« Figure atypique à plus d’un titre, chef de file du néo‑manga, Yûichi Yokoyama a fait du manga l’accomplissement d’un art lié à la peinture. Ses narrations à la fois cliniques, linéaires et absolument dépaysantes, prennent place dans le monde urbain et technologique. La déambulation de personnages masqués dans ces univers artificiels quasi extra-terrestres et les métamorphoses du paysage placent le lecteur sur un radeau temporel. Chez lui, la nature est reconstruite par la technique ou encore enfermée dans des serres au milieu de la ville. Si son vocabulaire graphique emprunt de géométrie rapproche son œuvre de l’abstraction, le dessin est un dépaysement total digne des Prouns de l’artiste El Lissitzky, “station d’aiguillage entre peinture et architecture” : une définition que l’on pourrait ici appliquer à la rencontre entre la peinture et la bande dessinée. L’exposition montrera les liens entre peinture et manga. Elle proposera aussi un espace dédié à la lecture et à la restitution d’ateliers. »
(Kodama Kanazawa, commissaire.)

Le Pavillon Blanc, Colomiers (31)
du 27 septembre au 20 décembre 2014

Conception et réalité chez Yûichi Yokoyama

« Littéralement, il […] procède toujours comme s’il fallait qu’il y eût le maximum d’écrans entre la nature et lui, […] tout se passe comme si le beau était dépourvu d’importance et comme si, de l’art, ne devait être retenu que l’invention, soit la part de conception pure par laquelle l’art décolle de la réalité. Pour toutes ses oeuvres, l’on constate que la trame (armature de l’oeuvre ou point de départ) est d’ordre artificiel et non pas naturel. »

extrait de Michel Leiris, « Conception et réalité chez Raymond Roussel », in Raymond Roussel, Épaves, Paris, Jean‑Jacques Pauvert éditeur, 1972, p. 15-16.

soirée de lancement sérigraphies Yokoyama

22 rue Saint-Claude, Paris 3^emardi 18 mars 2014
de 18 à 21 heures

Après leur exposition à Angoulême, lancement sous les auspices de la galerie anne barrault de Nouveaux Travaux publics et La Capitale et moi, deux sérigraphies de Yûichi Yokoyama coproduites par les Éditions Matière, Collection revue et L’Institut sérigraphique.

Vernissage de l’expo sérigraphique Yûichi Yokoyama

foff 2014, Angoulême
vendredi 30 janvier

L’édition 2014 du foff est l’occasion de présenter deux sérigraphies réalisées par Séverine Bascouert (L’Institut sérigraphique) à partir de dessins couleur de Yûichi Yokoyama, La Capitale et moi et Nouveaux Travaux publics.
Une pièce du Moon, l’ancienne boîte de nuit interlope où se déroule le festival, est consacrée à l’accrochage des deux reproductions et à la présentation de quelques outils et étapes de leur exécution : les polyesters employés comme écrans, les trames Deleter, les « films masque ». Sur l’un des murs sont présentées les recherches couleur de Séverine Bascouert : bouts d’essais, tests de transparence des encres, chronologie analytique des passages colorés… Autant d’éléments qui permettent d’appréhender la façon dont Séverine Bascouert a reconstitué les images de Yokoyama en serrant au plus près les techniques de composition de Yokoyama.

Dans la foulée de l’inauguration de cette petite exposition est lancée ce qui restera comme l’un des points d’orgue de cette édition du foff 2014 : la compétition internationale de hula-hoop organisée par les Éditions Matière. En deux manches et une finale chronométrées avec une rigueur toute professionnelle par Maxime Milanesi, des Éditions FP&CF, cinq concurrents s’affrontent devant un public chauffé à blanc par la bière blonde du foff.
Au terme d’un duel interminable, Carine-je-fais-du-hula-hoop-en-fumant-en-téléphonant-en-lisant-des-bouquins l’a emporté d’une courte hanche sur Anne-Émilie-je-fais-du-hula-hoop-comme-j’ondule-comme-je-respire.
Carine, par ailleurs volontaire et barmaid du foff, emporte ainsi l’un des t-shirts Yokoyama édités par Collection revue, Éditions Matière et l’Institut sérigraphique, et parade avec derrière le comptoir du Moon tandis qu’Anne-Émilie se console avec un exemplaire de Baby boom, le dernier ouvrage de l’artiste japonais.

(Pour une description complète des quatre journées foff à Angoulême, voir le reportage réalisé par Collection revue.)

2wBOX Set Z

La collection 2[w] est publiée par les éditions suisses B.ü.L.b comix. Elle consiste en une série de mini leporello de 11 volets imprimés recto verso (3,5 x 4,5 cm), réunis cinq à cinq dans une boîte (autrement appelée 2WBOX) estampillée d’une lettre de l’alphabet. L’illustration de chaque accordéon est confié à un artiste différent. La collection 2[w], commencée à la lettre A s’achève en septembre 2013, logiquement, avec la parution de la trente-sixième boîte, la splendide 2wBOX Set Z.

Pour cet ultime set, B.ü.L.b comix a sollicité la contribution de Jockum Nordström, Elvis Studio, Blexbolex, Nicholay Baker et… Yûichi Yokoyama. En collaboration avec l’artiste et avec B.ü.L.b comix, les Éditions Matière se sont chargées de sélectionner deux dessins de Yokoyama, de les composer en leporello et de les coloriser.

Toujours à l’affût de ce qui se fait de meilleur en dessin et dans l’édition, Collection Revue a publié sur son blog une interview des éditeurs de B.ü.L.b.

2wZ02 Go go do do de Yūchi Yokoyama - verso

Aichi Triennale 2013 (suite)

Durant la triennale Aichi 2013, les habitants de Nagoya ont pu côtoyer des agrandissements des cases du dernier ouvrage de Yûichi Yokoyama, Salle de la mappemonde, affichés en divers lieux de la ville.

Aichi Triennale 2013

Invité à participer à la triennale d’art contemporain de Aichi (Nagoya, du 10 août au 27 octobre 2013), Yûichi Yokoyama a recouvert trois véhicules de ses dessins, et ainsi transposé grandeur nature une idée développée dans son manga « Travail manuel ».

Le modèle de voiture retenu par les organisateurs, une Toyota Prius, ne restitue certes qu’aproximativement le véhicule à monter soi-même mis en scène dans le bref récit‑manuel-de-montage paru dans le recueil Nouveaux Corps : une voiture qui porte, inscrite à même sa carrosserie, les onomatopées employées conventionnellement pour signifier son fonctionnement.

Marzo

La compagnie de théâtre italienne Dewey Dell s’est associée au dramaturge Kuro Tanino (directeur de la troupe Niwagekidan Penino) pour concevoir son nouveau spectacle. Marzo, dont la première a eu lieu lors de l’édition 2013 du steirischer herbst festival (Graz, Autriche), associe pantomime, parole et chorégraphie.

Dewey Dell a demandé à Yûichi Yokoyama de concevoir les costumes de Marzo. Interrogé à ce sujet, Yokoyama affirme dans le reportage que lui consacre le numéro spécial Japon de la revue Back Cover : « J’ai horreur d’aller au théâtre. Je préfère éviter. Il y a de grandes chances pour que je n’aille pas voir cette pièce. »

Pour les autres, une bande annonce de Marzo est visible en ligne.

Marzo est programmé dans le cadre du Festival parallèle 04 au théâtre Joliette Minoterie, à Marseille, le 1^er février 2014.

Back Cover, spécial Japon

Le numéro 6 de la revue Back Cover, conçu et piloté depuis la Villa Kujoyama, à Kyoto, par Alexandre Dimos, est intégralement consacré au design graphique, à la typographie, à la culture populaire et à la création contemporaine au Japon. Deux articles y sont consacrés à Yûichi Yokoyama.

Le premier est un reportage, réalisé par son éditeur français Laurent Bruel, focalisé sur l’atelier de l’artiste à Sayama (département de Saitama en banlieue nord de Tokyo). On y découvre pour la première fois le lieu et les conditions de travail de Yûichi Yokoyama. L’artiste détaille ses principales méthodes de travail, précise sa conception du manga et du livre, et tire inlassablement des étagères et tiroirs de sa modeste cabane feutres fluos, règles en plastique, cassettes audio, CD musicaux et nombre d’imprimés qui constituent ses lectures et ses sources de stimulation visuelle…

Le second article, rédigé par la commissaire d’exposition Kodama Kanazawa, replace la production de Yokoyama dans l’histoire et le contexte contemporain de la bande dessinée japonaise, puis formule une définition sensible du « style Yokoyama ».

Toute la documentation sur le néo-manga : je dessine le temps

Kawasaki City Museum
avril-juin 2010

Sous ce titre étrange et quelque peu bavard se tient dans la ville de Kawasaki, non loin de Tokyo, la première grande exposition monographique de Yûichi Yokoyama. L’exposition présente un grand nombre de planches originales, mais aussi des peintures et des documents de travail prêtés par Yokoyama — très investi dans le projet.
La conservatrice Kodama Kanazawa, commissaire de l’exposition, en a confié la scénographie au cabinet Torafu Architects, et le graphisme à Kazunori Hattori.

Pendant la durée de l’exposition, Yokoyama alterne réalisation de travaux en public et rencontre avec les visiteurs du musée.

Matière nippone

Aix-en-Provence
du 19 mars au 26 avril 2008

Dessins de Jacques Ristorcelli (aka Risto) et Yûichi Yokoyama exposés à l’Office de tourisme dans le cadre du festival Rencontres du 9^e art.

Yûichi Yokoyama aux éditions matière